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ESPANOL / Text in Spanish 
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El BALLET KIROV DICE ADIOS A NUEVA YORK

En la última semana de la temporada del Kirov en la capital del mundo de la danza, dos programas muy diferentes subieron a la escena del City Centre: Uno con cuatro obras contemporáneas de William Forsythe, y otro con tres piezas neoclásicas de George Balanchine. No es necesario aclarar que estas últimas son de gran belleza. Según comentaría un respetado crítico de danza de esta ciudad, sobre el primer programa, “…era evidente que de cuatro obras de Forsythe en un mismo programa, al menos una sobraba”. Un apunte – que compartimos a plenitud-- muy digno de tomarse en cuenta.

Según Forsythe explica sobre “Steptext”, pieza con música de Bach, en grabación electrónica del violinista Nathan Milstein que abrió el programa, “… suspende el procedimiento incidental mayor de los mecanismos del trabajo, que tradicionalmente determinan la estructura de una representación teatral”. Este postulado del coreógrafo pretende adelantar lo que sucede después, que comienza inesperadamente con un bailarín moviéndose repetidamente como si fuera un robot, mientras la sala de lunetas continúa encendida. El acompañamiento cesa de repente por segundos, tarea que se repite varias veces, para proseguir después, trayendo a la escena, ataviada en un leotard color rojo, en contraste con tres hombres en negro, a la juncal Ekaterina Kondaurova, quien extiende sus maravillosas piernas hasta casi desarticularse, mientras Antón Pimonov la sostiene. En otros momentos, la bailarina se empareja con Mikhail Lobukhin o Alexander Sergeev. Pocos instantes cerca del final, la sala vuelve a encenderse y apagarse de nuevo.

Después del intermedio, llegó a la escena “Approximate Sonata”, que presenta a cinco parejas bailando en dúos, a la vez que intercambian algunas palabras entre sí, para luego acometer diferentes ejercicios que recuerdan una clase de adagio. Trabajo aburrido, que no aporta nada nuevo o interesante.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude”, con música de Schubert (también en grabación electrónica), trajo un cambio de modalidad muy agradable y necesaria. El telón se descorre con Leonid Sarafanov y Vladimir Shklyarov siguiendo la rapidez de la música con brillantez y total dominio de la coreografía. Poco después se unen a ellos Elena Androsova, Nadezha Gonchar y Ekaterina Osmolkina, todas vistiendo atractivos tutús estilo “plato”. La coreografía no tiene secretos ni dificultades para este quinteto portentoso., y no hay duda que con este trabajo, Forsythe quiere demostrar que, a pesar de los trabajos anteriores, domina los cánones de la danza clásica a perfección.

La función terminó con “In the Middle, Somewhat Elevated”, con un elenco estelar, que incluyó, entre otros, a Victoria Tereshkina, Kondaurova junto a Lobukhin de nuevo, todas calzando puntas, junto a varios bailarines más. La obra es difícil de seguir, ya que suceden distintas acciones a la misma vez en la escena: Mientras en una esquina se desarrolla un Pas de Deux, en otra parte de la escena hay bailarinas que interpretan solos

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No hay duda que este trabajo es uno de los más conocidos del coreógrafo, especialmente por el público joven, que esa noche aplaudió delirantemente. No parece importar que el acompañamiento, en vez de música, es un ruido que asemeja golpes propinados a una lámina de metal. Después de varios minutos, esos sonidos se vuelven insoportables, a pesar del trabajo exhaustivo del elenco. No en balde una dama del público comentara en voz alta al final: “Menos mal que tomé tres aspirinas antes de venir”…

No podía faltar un tributo del Kirov a la inmensa obra de Balanchine, y nada resultaba más indicado que cerrar la temporada con tres de los tesoros coreográficos del inolvidable maestro, que llevan acompañamiento de dos de los compositores que más admirara: “Serenade”, y “Ballet Imperial” (ahora llamado Concerto No. 2 en Sol Mayor), de Tchaikowsky, y “Rubies” (de “Jewels”), de Stravinsky.

“Serenade”-- que divide sus hechizantes escenas en cuatro movimientos--, tiene la distinción de ser el primer ballet que Mr. B creara en Estados Unidos, con alumnos de su recién fundada School of American Ballet, o SAB (Escuela de Ballet Americana). El nutrido Corps femenino –dieciséis--, vistiendo largos tutús color azul pálido, aparece en escena al abrirse la cortina a los acordes de la Serenata para Cuerdas, con ambos pies firmemente sobre el suelo, apuntando hacia el público. Con un rápido movimiento, todas las bailarinas, en unísono, súbitamente los colocan en primera posición. El resultado es elemental, no obstante, la propia sencillez del movimiento lo sublima, y establece un ambiente casi de recogimiento en la obra.

Al finalizar la Serenata, la solista, Alina Somova, grácil y alada, después de bailar son el conjunto, se separa del grupo y queda en espera de su compañero, Danila Korsuntsev, que avanza lentamente del fondo de la escena hasta reunírsele, que es la seña para que el coro desaparezca. El Pas de Deux siguiente, a los acordes de un vals, es sublime en todos los conceptos, y termina con Korsuntsev abandonando la escena, mientras Somova queda sola sobre el suelo. En el movimiento que sigue, cinco gráciles bailarinas danzan juntas, a las que se une otra solista, Ekaterina Osmolkina, con intrincadas variaciones. Ekaterina Kondaunova aparece como un ángel siniestro, trayendo con ella a otro bailarín, Alexander Sergeev, a quien cubre los ojos mientras avanzan. Infinidad de danzas tienen lugar hasta llegar a la elegía final, donde Somova es elevada en brazos por tres bailarines que la encaminan lentamente hacia el fondo de la escena. La respiración del espectador queda en suspende por segundos…. Luego, los aplausos ensordecedores no tardan en sonar.

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En “Rubies”, la ambientación cambia totalmente. El jazz estadounidense parece estar presente en los sincopados ritmos del acompañamiento. Olesia Novikova –en sustitución de Diana Vishneva--, Andrian Fadeev, y Kondaunova, como solistas, atacaron los bailes con gracia picaresca y soltura, especialmente Kondaunova, que en todo momento se ajustó al estilo travieso que la coreografía sugiere (y hay que añadir fue en sí la revelación de la temporada).

El cierre de programa fue, como el público deseaba, egregio y elegante: “Ballet Imperial”, tributo del coreógrafo a la grandeza del Teatro Mariinsky, brilló con luces extraordinarias, en la impecable interpretación de Victoria Tereshkina, vertiginosa y con total dominio de las difíciles variaciones de la pieza. Igor Kolb, como su partenaire, no impresionó con su trabajo; no obstante, el coro cumplió su difícil cometido con gran distinción, para poner punto final a una temporada que terminó mucho mejor que como comenzó.

Escribe Célida P. Villalón, U.S.A.

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Последний раз редактировалось Octavia 09 сен 2009, 02:58, всего редактировалось 4 раз(а).



24 апр 2008, 19:31
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NUEVA VISITA DEL BALLET KIROV A NUEVA YORK

Quizás los culpable hayan sido las escasas dimensiones del escenario del City Center, --uno de los teatros más incómodos de la capital del mundo de la danza--, pero el comienzo de la larga temporada que el Ballet Kirov anuncia, y comenzaría en abril 1, a pesar del profesionalismo del elenco, y poder apreciar en sus raíces las coreografías de Petipa, creador del ballet como ha llegado a nuestros días, nos ha dejado totalmente indiferentes.

Lamentablemente, y por motivos también de tamaño, la enorme compañía, así como sus espectaculares producciones, han tenido que ser recortadas, especialmente la escenografía. Otro factor incómodo, si se nos permite el adjetivo, es la mayoría del público asistente, de origen ruso, que habla entre si constantemente durante la función, y aplaude a destiempo.

Las temporada dio comienzo con tres de las más conocidas y gustadas creaciones coreográficas de Petipa: “Raymonda”, con música de Glazunov, y “Paquita” y “La Bayadere”, de Ludwig Minkus.

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El acto final de “Raymonda” que abrió el programa, con su variedad de danzas folclóricas (mazurcas y czardas), así como infinidad de variaciones clásicas, y un Pas de Deux central, proporciona un muestrario encantador de las sublimes inspiraciones del coreógrafo. El elenco aplicó el estilo correcto a las danzas folclóricas, y por su parte, el grupo clásico, especialmente los hombres, mostraron tener elegancia, y sobre todo, gran elevación. Raymonda y Jean de Brienne, la pareja solista, estuvo a cargo de Olesia Novikova y Andrian Fadeev, este último viril y de gran “ballon”, y ella muy ligera y sutil, pero ambos sumamente fríos y con poca comunicación entre sí.

“Paquita” además de incluir un nutrido coro femenino, da oportunidad de lucimiento a varias solistas y a la pareja principal, esa noche a cargo de Victoria Tereshkina y Yevgeny Ivanchenco. Tereshkina tiene sólida técnica, pero no obstante, tratando de levantar más la pierna en el “arabesque”, pierde la correcta posición del torso, al empujar el hombro hacia atrás. Ivanchenco, por otro lado, echa mano a la bravura repetidamente, con pasos veloces (como “grand jeté “ mientras gira alrededor de la escena), que en fin de cuentas, aunque resulta lamentable, esa bravura es la que el público parece preferir.

En las variaciones solistas, sucedió algo similar con los pasos que, llevados al extremo, pudiéramos llamar “de circo”: Alina Somova, dueña de unas extensiones más de gimnasta que de bailarina, en la primera variación, exageró los “developpés” a tal punto, que causó gritos estruendosos y aplausos innumerables del público. Sin embargo, la segunda variación, a cargo de Ekaterina Kondaurova, fue una lección hermosa de buena técnica, suavidad, y total comando de las posiciones, además de gran musicalidad. Valeria Martynyuk y Ekaterina Osmolkina, rindieron sus solos con gran aplomo y elegancia.

El acto de las Sombras, de “La Bayadera”, es uno de los momentos preferidos de los aficionados de la danza clásica. El descenso escalonado al escenario de un coro de 24 bailarinas, por una rampa alargada, es siempre un momento que crea magia. Esta vez, no obstante, fue deplorable la carencia de la rampa, que obligó a las bailarinas a entrar en la escena, una a una, procedentes de un telón de fondo. Una vez que todas cumplieron ese cometido, la unidad total de los movimientos y poses, certificaron el cuño indeleble del entrenamiento y la disciplina del Kirov.

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Uliana Lopatkina, interpretando el role de Nikiya, la trágica bayadera, es figura estelar desde hace varios años. Si bien su técnica es esplendorosa, su interpretación resultó demasiado reservada y distante. El escenario debe haberla intimidado, ya que en una de sus rápidas variaciones, tuvo que detenerse ante la cercanía de los telones laterales. Danila Korsuntsev, intérprete de Solor, posee un físico fuera de lo común: piernas demasiado alargadas y delgadas, casi femeninas. Empero, ejecuta los pasos con elasticidad y exactitud, aunque carece igualmente de expresividad.

Una reducida orquesta acompañó el programa, bajo la batuta de Mikhail Sinkevich. En los próximos programas continuará la selección de obras de los discípulos directos de Petita, a saber, Fokine, Gorsky y Balanchine, hasta llegar a coreógrafos contemporáneos, que incluyen a Harald Lander y William Forsythe.

Escribe Célida P. Villalón, U.S.A.

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24 апр 2008, 19:35
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La danza brilla en Nueva York

CON LA LLEGADA DE LA PRIMAVERA, LA DANZA, COMO LAS FLORES, BRILLA EN NUEVA YORK

No obstante, aún en los días gélidos del invierno, la danza académica no ha dejado de estar presente en los escenarios de la capital del mundo de la danza.

Ya sea en el sublime estilo académico, o en formas más modernas como son las formas neo-clásicas, contemporáneas o folclóricas, el arte divino de la musa Terpsícore ha estado vigente en distintos teatros o salas, que van desde el egregio Lincoln Center, hasta el más modesto pero no menos interesante Baryshnikov Arts Center, nuevo local teatral surgido en pleno corazón de la Gran Manzana.

A partir de la primera semana de abril, el mítico y legendario Kirov Ballet, procedente de San Petersburgo, sentará plaza en el City Center durante todo el mes, en una temporada que incluirá obras completas de Balanchine (Serenade y Ballet Imperial, así como Rubies, de Jewels); de Fokine (Scheherazade, Chopiniana, Espectro de la Rosa y La Muerte del Cisne); de Lander (Etudes), y de Forsythe ( The Vertiginous Thrill of Exactitude, e In the Middle, Somewhat Elevated), igual que los clásicos de preferencia, recortados, ya que el escenario del teatro no podría abrigar la grandeza de las escenografías y el enorme personal de esas obras. De éstas, subirán a escena fragmentos de Petipa (Paquita, La Bayadere y Raymonda), así como de Gorsky, también representado ( Don Quijote).

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Más tarde, de abril a junio, la 50 temporada del New York City Ballet estará vigente, e incluye un importante tributo titulado (y traducimos) “Celebrando a Jerome Robbins”, y un estreno del coreógrafo Alexei Ratmansky. Por su parte, comenzando en mayo, el American Ballet Theatre actuará también por dos meses en el Metropolitan, con los clásicos preferidos, y una nueva pieza de Twyla Tharp, admirada coreógrafa estadounidense.

Si se nos permite ser más explícitas, diremos que de antemano, “la boca se nos está haciendo agua”.

Escribe Célida P. Villalón, U.S.A.

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24 апр 2008, 19:38
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Espartaco: el mítico ballet del Bolshoi pone en pie al Real en el inicio de su temporada

Alicia Huerta. 06-09-2009

El Ballet del Teatro Bolshoi, el más antiguo del mundo y del que han salido grandes estrellas de la danza como Maya Plisetskaya, Nureyev o Nijinski, nunca se había subido al escenario del Teatro Real , cada vez más acostumbrado a ofrecer grandes acontecimientos. En el estreno de Espartaco de anoche no defraudaron.

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Para el Teatro Real y, por lo tanto, para su público, era algo más que una asignatura pendiente. El Ballet del Teatro Bolshoi, el más antiguo del mundo y del que han salido grandes estrellas de la danza como Maya Plisetskaya, Nureyev o Nijinski, nunca se había subido al escenario del coliseo madrileño, cada vez más acostumbrado a ofrecer grandes acontecimientos. De modo que la velada de anoche, además de ser la inauguración de la nueva temporada, era, sobre todo, la del estreno de Espartaco, la obra que, sin duda, mejor define lo que constituye esta mítica compañía de danza de Moscú. Por eso, las entradas se habían agotado hace tiempo y la expectación era la que corresponde a un espectáculo de su categoría.

Está claro que no podía defraudar, porque Espartaco es un espectáculo lleno de fuerza a la vez que de virtuosismo técnico creado por el coreógrafo Yuri Grigorovich, también presente estos días en la capital a pesar de sus 82 años. Se trata de una obra que, desde su estreno el 9 de abril de 1968, ha convencido en todos los teatros del mundo en los que, desde entonces e ininterrumpidamente, se ha venido representando. El ballet, de tres actos, con partitura de Aram Jachaturian, constituye una coreografía de extraordinario dinamismo, con una narración dramática, perfectamente visual y realista, en la que se alternan los momentos de grandiosidad épica con los de delicada intimidad romántica; y que trata un tema eterno, el de la rebelión contra la esclavitud, a través de un héroe tan carismático en la historia como Espartaco. Una obra que, como no podía ser de otra forma, ya se ha convertido en un gran clásico de la danza, con escenas prodigiosamente perfectas como el dúo dramático de la pelea a ciegas entre los gladiadores, la de la bacanal o la del bellísimo reencuentro entre el héroe y su esposa.

Anoche, el joven ucraniano Ivan Vasiliev fue el encargado de meterse en la piel del héroe y de hacer vibrar al público con su fuerza y su categoría dramática, llevándonos a todos hasta la injusticia de su historia y de su muerte a manos de las afiladas lanzas romanas, plasmada en la escena más vibrante de toda la obra. Pero Vasiliev no estaba solo y a pesar de que fue, merecidamente, el más aclamado por el público, las actuaciones de Nina Kapstova como su amada Frigia, de Ekaterina Shipulina representando a la cruel y vengativa Aegina, fantástica y también muy aplaudida, y, por último, de Aleksandr Volchkov como Craso, completaban el fastuoso cuadro de movimiento perfecto y altamente expresivo de una obra en la que no se puede dejar de hablar de su cuidada puesta en escena, por la que tampoco parece que pasen los años. Porque los decorados y vestuarios del georgiano Simon Virsalasdze, fallecido en 1989, continúan siendo tremendamente eficientes, expresivos y modernos, seguramente indispensables para el éxito total de este grandioso espectáculo que estará en la capital hasta el próximo día 10 de septiembre.

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08 сен 2009, 02:04
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ESPARTACO

El Ballet del Teatro Bolshoi presenta en el Real la emblemática pieza clásica creada por Yuri Grigorovich, con partitura de Aram Jachaturián.

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Comienza la danza en el Teatro Real con una de las mejores compañías clásicas del mundo, el Ballet del Teatro Bolshoi de Moscú. Esta prestigiosa formación nos trae una de sus producciones más emblemáticas, Espartaco, creada por Yuri Grigorovich, con partitura de Aram Jachaturián, y estrenada en 1968 por Vladimir Vassiliev y Ekaterina Maximova. Para contar la historia del esclavo que lideró una rebelión contra el Imperio Romano, Grigorovich alternó momentos grandiosos, como si se tratase de una producción cinematográfica, con momentos intimistas, como el pas de deux entre Espartaco y Frigia.

"Concebí el ballet desde el punto de vista de la danza clásica. La música de Jachaturián resulta tan consustancialmente bailable que cualquier aproximación no danzable sólo conseguiría empobrecerla", afirma Grigorovich. Y prosigue: "Mi Espartaco se expresa por medio de la danza clásica, pero no a la manera de Petipa, sino siguiendo unas formas más complejas que, partiendo del modelo de éste, han evolucionado influidas por el ballet moderno y por la vida misma".

Desde hace más de dos siglos, el Bolshoi es una de las compañías más importantes del mundo. En la primera década del siglo XIX tuvo su primera edad de oro con bailarines como Fanny Elssler, y años más tarde con los estrenos de legendarias obras de Petipa como El lago de los cisnes y Don Quijote. Una de las etapas más brillantes de esta compañía (1964-1995) fue bajo la dirección artística de Yuri Grigorovich. Vladimir Vasiliev, Boris Akimov y Alexei Ratmansky fueron los siguientes directores. Hoy la compañía está compuesta por 220 bailarines, dirigidos por Yuri Burlaka.

Eduardo López

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08 сен 2009, 02:15
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El Bolshoi vuelve a triunfar con "Espartaco", su coreografía más emblemática

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08 сен 2009, 02:25
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Elenco

Septiembre 5 - 10
Spartacus: Ivan Vasiliev
Phrygia: Nina Kaptsova
Crassus: Alexander Volchkov
Aegina: Yekaterina Shipulina

Septiembre 6 - 8
Spartacus: Pavel Dmitrichenko
Phrygia: Anna Nikulina
Crassus: Yuri Baranov
Aegina: Maria Alexandrova

Septiembre 7 - 9
Spartacus: Yegor Khromushin
Phrygia: Anna Antonicheva
Crassus: Andrei Merkuriev
Aegina: Yekaterina Krysanova

ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL
Orquesta Sinfónica de Madrid
Septiembre 5, 6, 7, 8, 9, 10 de 2009.

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08 сен 2009, 02:30
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Danza de todas las latitudes para abrir la temporada

Cristina Marinero | Madrid

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La danza se erige como gran protagonista en el inicio de la nueva temporada escénica 2009-2010.

Ivan Vasiliev, con solo veinte años, es el continuador de esa estirpe de fabulosos bailarines que, desde Vestris o Nijinsky, se hicieron mito. Los que tuvimos la suerte de verlo en agosto del año pasado en la gala de estrellas del Festival de Cap Roig (Gerona), creada y dirigida por Ricardo Cué, comprobamos la calidad artística de este joven indómito, potente en el salto y apasionado en sus interpretaciones. De los que te cortan la respiración cuando aparecen en escena. Va a protagonizar Espartaco en el Teatro Real de Madrid, donde el Ballet Bolshoi de Moscú estará del 5 al 10 de septiembre.

En principio, Vasiliev iba a bailar otros días, pero en la última actualización de la web del Bolshoi (donde se pueden ver los repartos de cada día, a diferencia de la web del Real, donde no hay información al respecto), vemos que le han cambiado las fechas y será el protagonista –a día de hoy- de la noche del estreno (sábado 5) y de la de cierre (jueves 10), junto a la bailarina Nina Kaptsova.

Espartaco es la coreografía cumbre del que fuera aclamado director de la compañía moscovita, Yuri Grigorovich, estrenada en 1968 sobre la composición musical de Aram Khatchaturian.

Basada en la historia del esclavo libertador que noveló Raffaello Giovanogli en 1874, su historia se popularizó también por la película que protagonizó Kirk Douglas. En el foso, la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Pavel Sorokin, afamado director del Bolshoi, experto en dirigir los grandes ballets de repertorio.

El Ballet Nacional Inglés llega a Barcelona

El English National Ballet reinará en el escenario del Teatro del Liceo de Barcelona, del 3 al 10 de septiembre, con un programa homenaje a los Ballets Russes, la legendaria compañía de Serge Diaghilev que hace cien años llegó a París para cambiar la historia de la danza del siglo XX.

Muchos la identificarán por sus bailarines y coreógrafos protagonistas de las dos décadas que estuvo en activo: Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova, Michel Fokine, Tamara Karsavina, Leonide Massine o Georges Balanchine fueron algunos de los grandes artistas revelados al mundo por el valiente empresario e incansable impulsor de talentos, Diaghilev.

El English National Ballet concentra en su programa obras de la primera etapa de la compañía, todas de Michel Fokine, su celebrado coreógrafo en los años de pre-guerra. Así, reponen en su versión original 'Les Syphides' (1909), 'Le Spectre de la Rose' (1911), 'Sheherazade' (1910) y 'La muerte del cisne' (1907).

Este es el único homenaje que en España se realizará a los Ballets Russes, donde no se ha previsto desde el Ministerio de Cultura, hasta el momento, ningún otro acto de conmemoración de la compañía que tuvo a España como importantísima fuente de inspiración (los pintores Picasso, Gris y Sert, y el músico Joaquín Turina colaboraron con ellos; Manuel de Falla realizó 'El sombrero de tres picos' por encargo de Diaghilev, quien también llevó a la gran escena, en 1921, 'Cuadro flamenco'; sin olvidar a Félix Fernández García, el bailaor que enseñó a Leonide Massine los pasos españoles que incorporó en 'El sombrero...' ).

Entonces actuaron en el Teatro Real y el Liceo, además de realizar, en 1918, una gira por varias ciudades que les ayudó a sobrevivir durante la I Guerra Mundial. En España encontraron, también, el incondicional patronazgo del Rey Alfonso XIII, quien incluso intercedió para que liberaran a Nijinsky cuando se encontraba prisionero durante la gran contienda.
Un lugar para el Ballet Nacional de España

Del 10 al 27 de septiembre, el Ballet Nacional de España presenta en el Teatro de la Zarzuela dos programas conmemorativos de su 30º aniversario. En ambos se verá 'Bodas de sangre '(1974) -ofrecido gracias a la Fundación Antonio Gades-, ballet que protagoniza el inicio de cada función, y al que seguirán un jugoso número de clásicos, aunque representados en fragmentos (clásicos que deberían reponerse enteros cada poco tiempo, como piezas importantes de la coreografía del siglo XX de danza española que son).

De esta forma, se recuperan los pasos a dos, solos o extractos de ballets como 'Fantasía galaica' (1956), de Antonio y Ernesto Halffter, 'Medea' (1984), obra de José Granero y Manolo Sanlúcar, 'Ritmos' (1984), de Alberto Lorca y José Nieto, o la farruca de 'El sombrero de tres picos' (1986), coreografía de José Antonio sobre la partitura de Falla.
Danza desde tierras cubanas

El Ballet Nacional de Cuba tenía, desde principios de los años noventa, una estable cita anual cada mes de septiembre con Madrid en el todavía cerrado Teatro Albéniz.

La compañía que dirige la veterana 'prima ballerina' Alicia Alonso recupera esta tradición, ahora en el Teatro Gran Vía, para ofrecer 'El lago de los cisnes' del 9 al 20 de septiembre.

Después, Alonso realizará una gira por España, actuando en diversas plazas de Galicia, y también en Santander, Bilbao o Granada, para desplazarse después a Italia, donde cerrará su gira en noviembre.

Los protagonistas del inmortal ballet de Marius Petipa y Tchaikovsky serán, en diferentes funciones, los primeros bailarines Viengsay Valdés junto a Elier Bourzac, y Anette Delgado con Joel Carreño, entre otros.

Y para completar la nutrida oferta balletística, la presentación por primera vez en la capital del Ballet de la Ópera de El Cairo. Fundado en 1966, y de gran influencia rusa en su estilo, actuará en el Teatro de Madrid desde el 10 de septiembre, con los ballets 'Romeo y Julieta' y 'Zorba el griego' (éste con coreografía de Lorca Massine, hijo del mencionado creador de 'El sombrero de tres picos'), en sendos programas.

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08 сен 2009, 02:35
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Apogeo de Moscú

La representación de 'Espartaco' en el Teatro Real agita el desangelado panorama del ballet en la capital

ROGER SALAS - Madrid - 08/09/2009

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El Teatro Real, el coliseo de la ópera en Madrid, ha servido de laboratorio para que la compañía rusa Bolshoi ponga en liza a sus nuevas promesas, algunas más consolidadas que otras. Probablemente faltaban algunos nombres señeros, pero no han defraudado.

El ballet, desde el punto de vista de lo acrobático, es también en gran parte atribuible a las escuelas ruso-soviéticas. Sus cotas se elevaron en tiempos de Messerer, Moiseiev, Ermolaiev, Lapauri y otros grandes hombres-grúa (dicho sin ningún ánimo peyorativo), partenaires capaces de todo y bailarinas dispuestas a ser lanzadas por los aires en busca del efecto receptor. Lavrovski primero y Grigorovich después refinaron esta tendencia, la dotaron de lirismo e influyeron en otros grandes como John Cranko o Kennett McMillan. En la obra Espartaco se da rienda suelta a las posibilidades del porteador, contando con que la obra cede el protagonismo al hombre por encima de la mujer solista; el coro, incluso, se vuelve viril.

Según Grigorovich, en Espartaco el baile masculino trasciende su canon para hacerse rector de la escena, bajo influencias diversas, desde el folclore eslavo estilizado hasta las corrientes o ecos de la música occidental, entonces en apogeo. El segundo acto de la obra, el mejor, es un buen ejemplo, tanto desde el punto de vista musical como dramático. Pavel Dimitrichenko es un Espartaco fuerte pero frío. Anna Nikulina empezó débilmente hasta remontar al final.

María Alexandrova, en el personaje de Aegina, fue en gran medida la responsable de que la segunda función del Teatro Real fuera un éxito. Es una de las grandes de hoy. Y no es que los otros bailaran mal, sino que ella superó con creces la ejecución en sí misma de su papel de cortesana implacable, para acceder a una encarnación poderosa, de amplio dominio escénico.

Alexandrova es artista voluntariosa y flemática, cuyo claro virtuosismo gana peso por dos vías: su ajuste a la música y la asunción del papel a la manera de sus grandes predecesoras. Bolshoi tiene una pléyade de aeginas inmortales, desde Nina Timofieva en adelante. Alexandrova pertenece a ese rango mayor.

Tanto Ruslan Pronin, el día 5, como Denis Savin, el día 7, hicieron su papel del gladiador que debe morir en el combate con Espartaco con fuerza y ajustándose a una pantomima de evoluciones en esgrima; Grigorovich al final de las funciones los jaleó a los dos a que saludaran, como recordando desde su experiencia y magisterio que no hay papel pequeño para un buen actor o bailarín.

El Real ha rebosado entusiasmo estos días, se oían bravos y se palpaba la emoción ante el espectáculo, lo que hace recordar que una vez (ya hoy se puede contar) el propio Yuri Grigorovich estuvo a punto de dirigir una hipotética compañía de ballet del Real que nunca existió, y que al parecer, el capricho de los políticos de turno nos niega para siempre.

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08 сен 2009, 14:51
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El revisionista Espartaco

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Espartaco ha abierto la temporada del Teatro Real, un ballet en tres actos creado por el Teatro Bolshoi con coreografía de Yuri Grigorovich y música de Aram Jachaturián, considerado como una de las producciónes destacadas de la danza del siglo XX. La idea de utilizar al exclavo rebelde del imperio romano para levantar un espectáculo a mayor gloria de la Unión Soviética, nació en pleno estalinismo, pero cuando el músico se decidió a adoptar la versión oficial de Volkov, la URSS entraba en la desestalinización y adoptaba lo que hoy se llama eufemísticamente un perfil más bajo. Y para cuando Grigorovich ultimó la escenografía que hoy nos rescatan, el mundo estaba ya en 1968: el mayo francés, la invasión de Checoslovaquia. La partitura de Jachaturián es ya un 'remix' de Stravinski con los musicales neyorquinos y las superproducciones de Hollywood. Y la coreografía, un momento de transición entre el ballet clásico y la danza contemporánea, profundamente influido por West Side Story.

Todo esto quiere decir que estamos ante una pieza de museo. Que así hay que verla, para no llamarse a engaño. Pero que presentada en su arrogante despliegue de tres horas de duración, se convierte en una difícil prueba para todo el que no sea fanático experto, historiador conspicuo o familiar de la enorme troupe que lo pone en escena.

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Yuri Grigorovich, el pequeño dictador que gestionó el Bolshoi durante tres décadas, ha vuelto, un síntoma más de que la Rusia de Putin mira insistentemente hacia el pasado. Ha sido galardonado en más de cuarenta ocasiones y ha recibido títulos como los de Artista del Pueblo de la Unión Soviética, Héroe Socialista del Trabajo, Premio Lenin (1970) y dos veces Premio Estatal de la URSS (1977, 1985). 'Ahora he regresado, tras más de una década fuera como coreógrafo. Antes estuve 33 años como director del Ballet. Mi tarea es que el Bolshói sea el Bolshói. O sea: grande. El mejor ahora es el Bolshói, porque estoy yo... La nueva generación del Bolshói, yo la considero como obra mía'. El Bolshói es el emblema más sobresaliente de la cultura rusa, en un país donde la danza es casi religión; la mitad de las coreografías del teatro están firmadas por este coreógrafo de 82 años. De entre todas, una ha obtenido un consenso general (de crítica y público) para ser considerada como su obra cumbre. Es este Espartaco, un acontecimiento dicen que histórico, porque nunca antes el Bolshói en bloque había actuado en Madrid.

También a Grigorovich le han preguntado estos días: ¿Qué les diría a quienes califican de antiguo al ballet? 'Eso es una tontería, ha respondido. Es contemporáneo todo lo que sea interesante hoy, para el público actual. La historia de la cultura universal te ofrece todo, y está en cada uno elegir lo que le gusta. ¿Por qué enfrentar danza contemporánea y ballet clásico? Las dos existen, se desarrollan, las dos se nutren la una de la otra. Y siguen su evolución. Quien los enfrenta no entiende de teatro ni de música'.

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Efectivamente, es contemporáneo todo lo que sea interesante hoy. El primer acto de Espartaco es deslumbrante; el segundo, siembra dudas. Y el tercero, agota, entre interminables piruetas cinco mil veces repetidas, entre antagonistas que no se distinguen unos de otros, en una apoteosis que te deja exhausto y vacío. Sin mensaje, sin emoción, atribulado.

En cuanto al compositor Jachaturián, que hoy es bastante programado en los circuitos occidentales, en 1947 fue acusado por el Comité Central del Partido Comunista de tendencias burguesas y antirrevolucionarias detectadas en sus composiciones. Junto a él, fueron también denunciados Shostakóvich y Prokófiev. A cambio de declararse culpable y reconocer susn pecados, recuperó su notoriedad como figura oficial del régimen soviético. Una vez muerto Stalin en 1953, lo condenó públicamente. Al año siguiente, 1954, fue nombrado “Artista del pueblo de la Unión Soviética” y en 1959 fue galardonado con el Premio Lenin. Jachaturián terminará imponiéndose como uno de los “compositores oficiales” de la Unión Soviética. Fue diputado del Soviet Supremo y es el autor del himno nacional de la Armenia soviética. Aram Jachaturián murió a los 75 años el 1 de mayo de 1978.

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Ciertamente, el gigantesco elenco del cuerpo de baile del Bolshoi es un incomparable espectáculo. El lunes 7, los principales papeles estuvieron en las zapatillas de Egor Khromushin como un fiero Espartaco, Andrey Merkuriev como un prepotente Craso, Anna Antonicheva como una melindrosa Frigia, y Ekaterina Krysanova de casquivana Aegina, la preferida de los cuatro en los aplausos del público esa noche, aunque a mí me gustara más la exquisitez de Antonicheva.

No es que pretendamos negar que la llegada en 1964 de Yuri Grigorovich a la dirección artística del Ballet del Teatro Bolshoi de Moscú supuso un notable impulso para la compañía. Impuso su estilo al conjunto y, además de aportarle la elegancia aprendida en el Kirov, propició no pocas creaciones. Una de ellas es este Espartaco, el ballet en tres actos que se estrenó en Moscú el 9 de abril de 1968. Grigorovich empleó la música que Aram Khachaturian había compuesto en 1956 para la coreografía de Leonid Jacobson con que se había estrenado ese mismo año, quizás ante la nueva plana mayor soviética, que había denunciado el culto a la personalidad y el oscurantismo del Régimen, pero que no consiguió modificar el rumbo, un estreno con dos de las estrellas de la compañía en aquella época: Vladimir Vassiliev y Ekaterina Maximova.

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Espartaco es hoy una narración muy cinematográfica; un clímax en el paso a dos entre Espartaco y Frigia, escoltado por numerosos aciertos coreográficos; momentos sublimes en la evolución de las legiones romanas y las cuadrillas rebeldes -que no se distinguen unas de otras más que por detalles del vestuario-; un poema en el enfrentamiento de los dos gladiadores ante el emperador; una escenografía que demuestra todo lo que se puede hacer con decorados pintados y gasas.

Pero una pieza declamatoria, rimbombante, excesiva, en la que Espartaco es intercambiable con Craso, y ambos marionetas de Grigorovich, que pone en pie un discurso artístico confuso al servicio de una causa política tambaleante cual el intento revisionista de Nikita Kruschov por acomodar la URSS a un escenario donde había sido derrotada de antemano por Broadway-Hollywood-Wall Street-Washington.

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BALLET DEL TEATRO BOLSHOI
Espartaco
Ballet en tres actos
Aram Jachaturián (1903-1978)
Libreto de Yuri Grigorovich, basado en la novela de Raffaello Giovagnoli y en hechos de la historia antigua, y en el guión de Nikolai Volkov

EQUIPO ARTÍSTICO
Coreografía Yuri Grogorovich
Escenografía y vestuario Simon Virsaladze
Dirección musical Pavel Sorokin

REPARTO

Espartaco Ivan Vasiliev (días 5,10)
Pavel Dmitrichenko ( 6, 8 )
Egor Khromushin (7, 9)

Craso Alexander Volchkov (5, 10)
Yury Baranov ( 6, 8 )
Andrey Merkuriev ( 7, 9)

Frigia Nina Kaptsova (5, 10)
Anna Nikulina ( 6, 8 )
Anna Antonicheva (7, 9)

Aegina Ekaterina Shipulina (5, 10)
Maria Aleksandrova ( 6, 8 )
Ekaterina Krysanova (7, 9)

Gladiador Ruslan Pronin, Denis Savin

Coro de la Comunidad de Madrid
Director: Jordi Casas Bayer

Orquesta Titular del Teatro Real
(Orquesta Sinfónica de Madrid)

Producción de 1968

Estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo
el 27 de diciembre de 1956

Estreno de la producción de 1968 por el Ballet del
Teatro Bolshoi de Rusia el 9 de abril de 1968

Septiembre: 5, 6, 7, 8, 9 y 10
Duración aproximada:
Acto I: 45 min.
Pausa de 25 min.
Acto II: 40 min.
Pausa de 25 min.
Acto III: 45 min.

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09 сен 2009, 02:25
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